CANNES FILM FESTIVAL

Unfriedvolle Konfrontationen

Mit grotesker, sozialer, sadistischer und symbolischer Gewalt läuft Cannes langsam zur Form auf

 

 

von DIETER WIECZOREK

"Borgman", Alex Van Warmerdams

Wenn ein Film ästhetisch und konzeptuell im diesjährigen Wettbewerbsprogram Cannes aus dem Rahmen viel, dann war das der niederländischen Beitrag «Borgman» ALEX VAN WARMERDAMS. Jeder Einstellung, jede Szene hier ist unvorhersehbar, pendelt zwischen Absurdität, Groteske und Realismus. Bereits das Thema des Filmes zu nennen fiele schwer. Mit anderen Worten, hier sind Assoziationskraft und das Wirken des Unbewussten gefragt. In der ersten Einstellung jagt ein Priester mit Handlangern bewaffnet ein undefinierbare Gruppe von Menschen, die sich komfortable in Gräben und grossen Höhlen eingerichtet im Wald verborgen halten. Einem unter ihnen gelingt es, in das Eigenheim einer bourgeoisen Familie einzudringen und dort langsam Fuss zu fassen, da er erst das Mitleid, dann das Begehren der Ehefrau und Mutter gewinnt. Diese Frau wiederum wird misshandelt, unterdrückt und geschlagen von ihrem Macho-Ehemann, seinerseits Manager unter Druck von oben. In einer Reihe drolliger und herber Sequenzen gelingt es dem Eindringling, die Geschehnisse im Haus immer mehr unter seine Kontrolle zu bringen. Erst schirmt er die Familie von der Aussenwelt ab, dann bringt er sie, unter Beihilfe seiner ins Haus gelotsten Kumpane, systematisch um, die wenigen peripheren Kontakte der Familie eingeschlossen. Die alles geschieht in melancholischer Präzision. Ein Massengrab wird geschaufelt im Eigenheimgarten und frischer Rasen drüber gepflanzt. Dann zieht die rätselhafte Gruppe weiter. Mission erfüllt. Man mag hier ein metaphorisches Bild des Klassenkampfes erkennen wollen. Eher jedoch geht es um einen erbarmungslosen Kampf zwischen nicht kommunizierenden Gruppen, deren Kontext nicht geklärt und dessen Intention nicht eröffnet wird. Warmerdams inszeniert folglich eher sozialer Gewalt als solche, die sich verselbständigt hat. Die Kontextlosigkeit macht stets alles möglich, schafft immer wieder Überraschungen und eröffnet ein weites Register mögliche Situationen und Gefühle. Für den Hauptpreis wäre „Borgman“ ein Favorit gewesen.

Mit gewalttätigen Konflikten setzt sich auch der philippinische, oftmals preisgekrönte Filmemacher LAV DIAZ auseinander, in dem für seine Verhältnisse vergleichsweise kurzen 4-Stunden-Werk „Norde, hangganan ng kasaysayan“ (Norte, das Ende einer Geschichte). Seine Kamera lässt sich Zeit, über Landschaften zu schweifen, auf Personen zu verharren und langatmigen Diskussionen zu folgen. Sie ist wie das Auge Gottes, das kommentarlos beobachtet, ohne zu antizipieren, zu provozieren oder sich zu schnell in konturierte Geschichten zu konfigurieren. Sie verharrt. Zuweilen versteckt sie sich hinter einer Säule oder Hauecke, als ob sie mit der Sicht eines in der fiktiven Situation präsenten Beobachters verschmilzt. Diaz Blick verharrt auf Ruinen und scheinbar belanglosen Nicht-Orten. Ein personenorientiertes Geschehen vollzieht sich eher trotz allem, auf dem Hintergrund einer unbeteiligten Natur, wahrgenommen aus anthropologischer Ferne. Selbst als eine der Hauptprotagonistinnen umgebracht wird, ist dieser Akt nicht einmal bildwürdig. Die Tat geschah im Off. Die Kamera gleitet lediglich a posteriori über ihren neben einem niedergebrannten Haus liegenden Kadaver hinweg. DIAZ lässt Intellektuelle in pseudophilosophischen Palavern und apathisch wirkenden Lamentationen auftreten. Einer unter ihnen sucht sein mörderisches Verbrechen zu sühnen, und fällt doch wieder, in einer dieser überraschenden Szenen, wo nach langen nichts sagenden Dialogen plötzlich eruptive Gewalt aufbricht, in seine unkontrollierten Gewaltgestus zurück, vergewaltigt seine bigotte Schwester und tötet seinen geliebten Hund. Die Konsequenzen einer Welt ohne Wahrheit, ohne Werte, Sinn und Orientierung werden hier an einer an Dostojewski erinnernden Weise durchdekliniert. Dias zeigt Verarmte unter extremen Druck, ausgebeutet von Reichen und unterdrückt von der Staatsgewalt. Er bringt Verstörte und Unmächtige ins Bild. Er lässt destruktive, nicht näher benannte oder definierte Kräfte am Horizont erscheinen. Siedlungen brennen unkommentiert ab, Menschen sind in permanente Angst und Unsicherheit versetzt. Diaz zeigt ohne Pathos oder Deklaration eine unkontrollierte, tyrannisierte philippinische Gesellschaft, allein durch die subtil beobachtende Kamera. Auch einen guten, selbstlosen, sich nicht aufgebenden Menschen lässt er auftreten, der unschuldig über Jahre hinweg in Haft sitzt und selbst in diesem kastrierten Leben noch die Kraft findet, anderen zu helfen. Doch der Kadaver, der neben der Hausruine liegt, ist seine geliebte Frau.

Als der vielleicht provokanteste Film in der „Un Certain Regard“ Sektion Cannes, in dem auch Dias Film platziert wurde, wäre der deutsche Beitrag zu nennen. Anlässlich seiner Uraufführung erlebte man selbst fast unüblich gewordene Pfiffe, immer ein gutes Zeichen, das ein Film aus der belanglosen Schmalkost hervorragt und nicht gleichgültig lässt. «Tore tanzt» von KATRIN GEBBE ist zweifellos ein schmerzhafter Film. In seinem Mittelpunkt steht ein junger Mann, der in die Gehirnwäsche einer extremen christlichen Gruppe gerät, wo er lernt, dass Jesus ihn liebt, er aber bereit sein muss, alles zu erleiden, um Jesus gerecht zu werden. Selbst schüchtern und seiner unsicher ist die Katastrophe vorprogrammiert, als er in die Hände einer Schrebergarten-Kleinfamilie gerät, mit einem gewalttätigen Macho-Ehemann an der Spitze, begleitet von seiner frustrierten, sadistisch veranlagten Ehefrau samt ihrem ähnlich konfigurierten Freundeskreis.

Gebbes Film erinnert an Lars von Triers 2011 in Cannes präsentierte „Melancholia“, ein Film, der ebenfalls für viel Unruhe sorgte, noch stärker jedoch an dessen Meisterwerk der Selbstaufgabe „Breaking the Waves (1996).

Mit belustigtem Blick zeigt Sorrentiono Gegenwartskunst als Teil des mondänen Spektakels. Der Hauptschauplatz des Geschehens Rom wird in majestätischem Licht präsentiert: splendide Terrassen und Gemächern, ausgeklügelte Architekturen und die verborgene Schätze der Museen, die bei einem nächtlichen Rundgang ohne Publikum Revue passieren. Gambardella ist ein Mann mit Stil, der gelernt hat, dass Verzicht auf sexuell-emotive Angebote die reizvollere Variante sein kann, die geringe Lebenszeit zu nutzen. Würdenträger und Kirchenvertreter, buddhistische Mönche mit eingeschlossen, finden alle ihren wohlfeilen Platz in den üppigen Szenarien. Lediglich eine Gegenfigur kristallisiert sich: eine Mutter-Teresa-Gestalt, eine zahnlose nahezu Hundertjährige, die auf harten Boden schläft, wenig und immer das gleiche isst und auf Knien lange Treppen aufsteigt zu einer verehrten Hostie. Diese demütige Frau weigert sich, über sich zu sprechen. Zu dieser Frau pilgern in einer der metaphorischen Schlüsselszenen Sorrentinos die Vertreter der Intelligentia und der etablierten Staats- und Kirchenmächte. Gewiss wirkt auch diese Verehrung lediglich wie eine weitere Variante der allgemeinen Perversion, ein Apercu, eine Anekdote dienlich für den nächsten Smalltalk. Die Verweigerung der alten Frau ist die einzige noch mögliche Geste der Selbsterhaltung. Sorrentino stellt in diesem Panorama der Dekadenz die Sinnfrage: worauf kommt es an, was zählt noch im Leben? Vielleicht stellt sich die Frage lediglich noch hier, wo Überlebenshast nicht mehr Thema ist. Die Antwort bleibt aus. Was bleibt ist der melancholische Blick Gambardellas auf die monetäre Vergeblichkeit. Sowohl in seiner ästhetischen Anlage wie durch seine Thematik kann „La Grande Bellezza“ als Verlängerung und Aktualisierung von Federicos Fellinis „La dolce Vita“ (1960) gelesen werden